El 31 de enero se estrena Un cine en concreto de Luz Ruciello en el Cine Gaumont

Omar Borcard, protagonista de Un cine en concreto.

Un cine en concreto fue seleccionada en 20 festivales internacionales hasta la fecha, entre los que se destacan el 34º Miami Film Festival, USA,  Cinélatino, 29éme Rencontres de Toulouse, Francia,  41° São Paulo International Film Festival, Brasil y 20° Shangai Film Festival, China. Fue ovacionada al proyectarse como film de apertura del 21º Festival Internacional de Cine de Lima (PUCP), Perú.
Llevó diez años realizarla y ese tiempo se plasma en la texturas de sus imágenes y en el gran trabajo de montaje. Cuenta con música original de Maxi Prietto.
Su protagonista, Omar José Borcard, estará presente en el estreno en el Cine Gaumont y cumplirá así otro sueño: estrenar su propia película en su sala preferida.  

SINOPSIS
¿Cómo medir la pasión? Un Cine en Concreto se acerca a ese hechizo intangible que implica vivir con la necesidad de pertenecer al cine, de devolverle algo aún sintiéndolo inalcanzable. Omar, un albañil de un pequeño pueblo de Entre Ríos (Argentina), no se resigna a la idea de que las pantallas grandes desaparezcan. Hará todo por conservar aquello a lo que supo aferrarse desde niño, aunque tenga que construirlo con retazos. Así, la quimera de Omar, con sus tristezas y sus alegrías, con sus ladrillos al viento, las butacas desvencijadas, un viejo proyector oxidado y esos carteles escritos a mano, lleva consigo la satisfacción y la calma que provocan las misiones cumplidas.

UN CINE EN CONCRETO – RECORRIDO POR FESTIVALES Y PREMIOS
• WORLD PREMIERE: 34° Miami Film Festival, USA.
• PELÍCULA DE APERTURA en el 21° Festival Internacional de Lima, Perú (PUCP)
•  EUROPEAN PREMIERE: Cinélatino, 29éme Rencontres de Toulouse, France 
• 32° Festival Internacional de Mar del Plata, Argentina.
• FIDBA 7. Festival Internacional de Cine de Buenos Aires, Argentina.
•  20° Shangai Film Festival.
• 41° São Paulo International Film Festival, Brasil.
• 32° Festival del Cinema Latinoamericano di Trieste, Italia.
• 24° Mostra de Cinema Llatinoamericà de Catalunya Lleida
• 16° Ischia Film Festival, Italia.
• 15° Signes de Nuit, Italy.
• 7° Dada Saheb Phalke Film Festival-2017 (Premiere asiática)
PREMIO: Best Director Documentary
• 15° International Festival Signs of the Night / Bangkok.
PREMIO: A SPECIAL MENTION for the SIGNS AWARD
• Festival Internacional de Cine Santander – FICS, Colombia.
• XX Icaro Festival Internacional de Cine, Guatemala. 
• Cine vivo. The Perth Independent Latino Film Festival, Australia.
• 10° Seoul International Architecture Film Festival (SIAFF)
• Festival Nacional Luz del Desierto, Roque Perez, Argentina.
• 1° Festival Internacional de Cine de Entre Ríos – FICER, Argentina.
• Festival Latinoamericano de Cine Independiente Bahía Blanca – FECILBBA 2018, Argentina.
• Antakya Film Festivali
PREMIO: Premio Especial del Público

FICHA TÉCNICA
UN CINE EN CONCRETO
(Argentina, 2017) 77 minutos. Género: Documental Calificación: ATP Distribución: Litoral Cine Dirección Luz Ruciello /ProducciónEjecutiva María Soledad Laici /Dirección de Fotografía Lluís Miras Vega /Montaje Carlos María Cambariere (EDA)/ Sonido Javier Stavropulos / Música original Maxi Prietto / Corrección de color Sebastián Guttman / Asistente de montaje Guillermina Chiariglione (EDA) / Guión Luz Ruciello y Celina Eslava /  DCP Encoding 7 Colores / Diseño gráfico María Pía Vivo / Elenco Omar José Borcard, María Teresa Castro, Evangelina Borcard, Nicole Benitez Borcard.

SOBRE EL PROTAGONISTA – OMAR JOSÉ BORCARD
Omar José Borcard nació hace 64 años en una colonia rural a 3km de la ciudad de Villa Elisa, Entre Ríos. Creció en el campo escuchando una radio. Tuvo una infancia pobre y dura. Fue canillita y, con las primeras monedas que juntó, fue al cine del pueblo. Todo ese mundo lo ayudó a vivir, a tener ilusiones y sueños. Omar ya no iba a separarse del cine.
Trabajó durante 56 años como albañil. Sus problemas serios de columna lo hicieron abandonar el oficio y puso una zapatillería con la ayuda de la gente del pueblo. Está casado con Teresa, tiene una hija del corazón que se llama Evangelina, y que lleva el nombre de la mujer de su ídolo, Palito Ortega.
Teresa y Omar son muy humildes. Omar dice que es rico y solo es pobre económicamente. Sigue luchando para no cerrar su cine, El Paradiso.
Tiene la mirada clara y simple, el cuerpo menudo y la fuerza de un invencible.

LUZ RUCIELLO – BIOFILMOGRAFÍA
Radicada en Barcelona, España, estudió Imagen y Sonido en la Universidad de Buenos Aires.  Profesionalmente, se desempeña en el área de dirección para cine y publicidad. Nació en Entre Ríos, Argentina en 1976. Desde su primer cortometraje Seis Horas Así (2001), seleccionado en el 14º Festival Internacional de Toulouse, realizó tres piezas más seleccionadas y premiadas en festivales nacionales e internacionales. La Creciente (2016), Madreselva (2015) y The Alcoholic (2011), videoclip ganador seleccionado por la banda noruega Röyksopp, entre los más destacados.
Actualmente está filmando su segundo largometraje documental No te olvides de hacerme acordar que te tengo que llevar adónde tenés que ir , en el que se centra en la reflexión del espacio de los recuerdos a través de su padre. También desarrolla el guión de cortometraje Thanks you, Sista’ que aborda la temática de la trata de personas negras en España. Por último, la pieza de cinedanza Ezlekua (2018) que co-dirigió en el País Vasco, España, se encuentra en posproducción.

FILMOGRAFÍA & LINKS
Cortometraje La Creciente TRAILER: https://vimeo.com/191004011
Cortometraje La Creciente (2016): https://vimeo.com/154416450 (Password: litoral)
Cortometraje Madreselva (2015) TRAILER: https://vimeo.com/204197631
Cortometraje Madreselva (2015): https://vimeo.com/120072803 (Password: madreselvapass)
Music Clip Röyksopp The Alcoholic  (2011): https://vimeo.com/52711024
TEASER Music Clip Excitment by Lad Mich Nicht Ein (2018): https://vimeo.com/288525701/7d1b0f5c44

PALABRAS DE LA DIRECTORA
Esta documental contiene una etapa de mi vida que comprende diez años. Conocí a Omar Borcard -el protagonista- en el año 2008. Me pareció un señor débil y vulnerable, jamás me imaginé que él me enseñaría con el ejemplo a no bajar los brazos y a creer en mí misma. Recuerdo la tarde que me dijo que soñaba con ver el afiche de la película pegado en las vitrinas del cine Gaumont. Yo ni siquiera tenía una cámara decente ni me proyectaba como directora. Pensé mil veces en abandonar pero me daba vergüenza porque Omar, a pesar de no tener recursos, jamás tuvo excusas. Entonces paso a paso, despacio pero firme, recorrí un camino basado en el aprendizaje y en el titánico esfuerzo del convencimiento personal que se necesita para finalizar un proyecto que solo depende de uno mismo, sin la garantía de que funcionará. Pienso que hacer una película es un acto de valentía, uno va a ciegas rodeado de niebla hasta que llega ese rayo de luz que lo ilumina todo.

LINKS
Trailer oficial (58”) https://youtu.be/jM5YVFSo92w
Trailer extendido (2:25”): https://vimeo.com/198338724
Facebook https://www.facebook.com/uncineenconcreto/
Instagram @uncineenconcreto.documental
Web oficial de la directora https://www.litoralcine.com/
Web oficial de la productora https://www.orquideacine.com/

Se estrena En el cuerpo, documental que indaga en la danza inclusiva

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El 16 de agosto se estrena en el Cine Gaumont En el cuerpo, dirigido por Alberto Masliah, sobre una idea original de Liliana Furió y con la participación de la Compañía de Danza Sin Fronteras, un cuerpo de baile de danza inclusiva. Este documental-videodanza retrata el proceso creativo detrás de una obra de video danza, desde sus primeras ideas hasta el resultado final, pasando por la experimentación, las certezas y las dudas propias de una búsqueda artística colectiva.
En el cuerpo es una producción de Sombracine y M.I.C.A (Asociación civil Mundo Integrado Con Amor), con el apoyo del INCAA y Mecenazgo Cultural de la Ciudad de Buenos Aires, y es el quinto film de Alberto Masliah, quien planea el estreno de su próxima película, el policial El sonido de los tulipanes, para fines de 2018.


SINOPSIS
En el cuerpo
es un documental que cruza la observación y la performática. Un viaje creativo de una obra de video danza, desde los ensayos hasta su culminación. Una película donde un cuerpo de baile de danza inclusiva busca, a partir de una obra artística, produce tensión entre lo estético y la reconstrucción de espacios simbólicos y reales de la historia de la Argentina reciente. Es en el cuerpo, según el maestro de danza Kauo Ohno, que como templo viviente de los sentimientos… “se nos otorga la posibilidad de vivir”.

EN EL CUERPO (Argentina, 2018, 62 min) Género Documental – Videodanza Calificación ATP / Distribución Independiente
Director Alberto Masliah / Idea Original Liliana Furió / Proyecto Alberto Masliah y Hernán Alvarenga / Guión Alberto Masliah / Coreografías Carla Berdichevsky / Dirección de fotografía Mariana Russo / Dirección musical Mariano A. Fernández / Música original Mariano A. Fernández y Pedro Furió / Montaje Emiliano Serra / Dirección de arte Augusto Latorraca / Diseño de vestuario Ramiro Sorrequieta / Diseño de sonido Mariano A. Fernández / Asistente de mezcla Juan Krymkiewicz / Jefa de producción Cintia Micheletti / Asistente de dirección Yael Szmulewicz / Cámara Pablo Villareal / Asistente de cámara Mariana Bruno / Compañías Productoras Sombra Cine  /Producción Daniel Chocrón, Alberto Masliah / Productores Asociados Liliana Furió  y Asociación civil Mundo Integrado Con Amor (MICA) Titular: Mariana Chiliutti / Sonido Directo Carolina Sandoval/ Maquillaje Damián Brissio /Gaffer Virginia Rojas/  Key Grip Marco Medici / Utilería María Emilia Toranzo / Aprendices Melody Chaile y Aixa Mayor / Músicas “Y su mirada” Obra integral en 9 movimientos de Mariano A. Fernández y Pedro Furió Partes: “Muerte” ( Mariano A. Fernández), “Ejército avanza” ( Pedro Furió y Mariano A. Fernández), “Circo decadente” ( Mariano A. Fernández), “Persecusión” ( Pedro Furió y Mariano A. Fernández) , “Tortura” (Mariano A. Fernández), “Ninfas” (Mariano A. Fernández), “Río” (Mariano A. Fernández), “Abrazos”  “Final” ( Mariano A. Fernández) / Bailarines de la Compañia de Danza Sin Fronteras Candelaria Iocco, Gabriela Torres, Leticia Abelle, Lucrecia Rossetto, Mariano Landa, Pablo Pereyra, Yohan Chavarría (bailarín invitado) /  Músicos en escena Carolina de los Ángeles Cajal, Francisco Huici, Juan Krymkiewicz, Mariano A. Fernández, Mario Gusso, Rafael Delgado  


COMPAÑÍA DE DANZA “SIN FRONTERAS”
Nace como una compañía artística de bailarines, docentes y coreógrafos profesionales especializados en las artes del movimiento y la pedagogía popular, interesados en compartir y transmitir su mensaje y  experiencia sobre la temática de la danza. Desde el movimiento se proponen desarrollar un lenguaje artístico revalorizando la identidad y personalidad cultural Argentina y Latinoamericana reconociendo los ritmos típicos de estas regiones. Creen que los espacios artísticos de movimiento transitan por estereotipos,  por generalidades excesivas. Por eso les urge cuestionar, sacudir los hábitos, las formas de actuar y de pensar, disipar las familiaridades admitidas, permitiendo de esta manera acercarse a la construcción de una identidad más próxima y auténtica. Postulan que el cuerpo humano, se caracteriza por ser de una materialidad simbólica, modelada por la cultura, con un sistema de valores y creencias que generan usos,  costumbres y prejuicios según cada época. Es por ello que la compañía se propone un cambio en la manera de mirarse y mirar al otro, un re-aprender de las propias dificultades y una escucha atenta para esta visión artística de su producto estético.

MOTIVACIÓN DEL DIRECTOR
Mi acercamiento a la Compañía Sin Fronteras tuvo que ver con la búsqueda de narrar la discapacidad desde un lugar diferente. Los conocí cuando tenían otro nombre y se organizaban diferente, cosas que han cambiado completamente en la actualidad. Mi intención para con ellos ha cambiando también a lo largo de la elaboración de este proyecto, comenzando con una película que hablara de ellos y concluyendo ahora con este proyecto completamente distinto al inicial, que narra junto a ellos. Sin embargo lo que me atrae de esta propuesta sigue siendo parecido, y es esta forma tan particular de demostrarse y demostrarnos que las discapacidades pueden reinterpretarse. Las discapacidades nos marcan de por vida. Uno es esa discapacidad. Somos el sordo, el ciego, el manco, el paralítico. Nuestra sociedad que tan fácilmente reniega del distinto, separa al discapacitado. Este no solo lucha contra esa discriminación casi omnipresente, sino también contra todo tipo de barreras que le impiden, muchas veces, desenvolverse normalmente. Las discapacidades son una diferencia marcada con el otro, el “discapacitado” que hoy también es llamado “individuo de capacidades diferentes”, vive una vida distinta. Su lucha es pasar gran parte del día salvando esos obstáculos que se le imponen. A veces se trata de obstáculos que impiden trasladarse, otras veces impiden comunicarse, otras tantas el impedimento es a nivel laboral, pero la mayoría de las veces se trata de barreras simbólicas. Lo que impide que una persona con discapacidad pueda o peor aún, quiera o desee, determinada actividad o lugar en la sociedad, no tiene una existencia real, sino más bien es parte de un imaginario colectivo, al que muchas veces también la persona con discapacidad adhiere. Un discapacitado auditivo, no puede o no debe cantar, uno visual no debería pintar y alguien que posee una discapacidad motora no debería bailar. No todos pueden hacer cualquier cosa, está claro. El hambre, el dolor, la miseria y el desamparo imposibilitan más que cualquier otra causa. Pero salvando esas razones que lamentablemente son muy comunes en nuestra sociedad, el freno tiene otro origen. Lo que impide que alguien quiera hacer algo, no está en el plano de las capacidades, sino más bien en el de los deseos. Quien desea, puede, mejor o peor, para otros o solo para sí mismo, pero es capaz. De distinta forma. Diferente. Trabajar para construir un nuevo paradigma en nuestra sociedad, que derribe los prejuicios que llevan a pensar  en el “discapacitado” como impedido de deseo, es uno de los motivos principales por los que dirijo esta película.

SOBRE ALBERTO MASLIAH
Es productor, director, actor y docente universitario. Es diseñador egresado de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido de la Universidad de Buenos Aires, en la cual ejerce la docencia como titular adjunto de Diseño Audiovisual desde 1995. Desde 2005 produjo una docena de films, entre ellos Vecinos (2009); Cuando yo te vuelva a ver (2013) y El karma de Carmen (2014) de Rodolfo Durán; Domingo de Ramos  (2010) de Toti Glusman y Todos podemos bailar (2013) de Liliana Furió. Intervino como productor general en la serie documental Salida de Emergencia, premio del concurso para series documentales para televisión digital con productor con antecedentes 2010.
Dirigió los largometrajes Negro Che, los primeros desaparecidos (documental, 2006); Schafhaus, casa de ovejas (ficción, 2010); El último quilombo (documental, 2012) y Yenú Kade: Cristiano bueno (documental, 2015).
En 2007 creó la compañía productora Sombracine SRL en la que desarrolla su actividad hasta la actualidad.
En 2015 realizó la producción ejecutiva de Como una novia sin sexo, largometraje de ficción de Lucas Santa Ana, y en 2016 produjo El puto inolvidable. Vida de Carlos Jáuregui, largometraje documental del mismo director.  En 2017 filmó El sonido de los tulipanes, un policial protagonizado por Pablo Rago y Calu Rivero, con Gerardo Romano, Gustavo Garzón y Roberto Carnaghi, que se estrenará a fines de 2018. En el cuerpo, largometraje documental, es su quinto film.

SOBRE SOMBRACINE
Es una productora audiovisual creada en 2007 y dedicada al desarrollo y producción de contenidos propios y de terceros a nivel nacional, regional e internacional. Ofrece servicios de producción y postproducción de imagen, sonido y música contando con equipos de cámara, sonido directo, islas de imagen, mezcla de audio 5.1 y sala de grabación de 60m2 para doblaje, foley y música. Su staff está integrado por profesionales de amplia experiencia en todas las áreas tanto de cine como de televisión.

Trailer En el cuerpo (con opción de descarga)
https://vimeo.com/271103312

El 19 de julio se estrena IKIGAI la sonrisa de Gardel en el Cine Gaumont

IKIGAI la sonrisa de Gardel indaga en la reconstrucción personal de una sobreviviente de AMIA

El 19 de julio se estrena IKIGAI, la sonrisa de Gardel, segundo largometraje dirigido por Ricardo Piterbarg (Venimos de muy lejos, 2013), protagonizado por Mirta Regina Satz, artista plástica y una de las sobrevivientes del atentado a la AMIA ocurrido el 18 de Julio de 1994. El film narra el proceso de pasaje de la gran herida del atentado a la realización del mural “La sonrisa de Gardel”: la transformación de los escombros en belleza.

Mirta Regina Satz, mujer multifacética e inquieta, artista plástica pero además compositora, cantante y bailarina de tango, encontró en el arte el refugio que le permitió transitar los años de dolor y desconcierto. Tras sobrevivir al tremendo atentado, continuó trabajando en la AMIA durante un año para después concentrar sus energías en el trabajo de arte comunitario que desarrolla en la antigua casona de la calle Inclán 3090, en el barrio de Parque Patricios. Mirta abrió las puertas de ese espacio a la comunidad y lo transformó en una usina de creatividad donde personas de todas las edades aprenden a compartir y a expresarse. En ese contexto, ella concibió la idea de realizar un mural colectivo y homenajear a ese símbolo porteño que es Carlos Gardel, a partir del trabajo con pequeños trozos de azulejo que forman las cien caras del eterno cantor de tangos. El mural llamado “La sonrisa de Gardel” fue distinguido como Sitio de Interés Cultural por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires.

IKIGAI, la sonrisa de Gardel, indaga en los deseos, temores, fortalezas y debilidades de Mirta, y la acompaña a partir de un registro poético y pudoroso por el difícil pero necesario camino de transformar la oscuridad en luz, la muerte en vida.

SINOPSIS CORTA
Mirta Regina Satz trabajaba como jefa de tesorería de AMIA (Asociación Mutual Israelita Argentina), intercalando su amor por el arte, hasta el 18 de julio de 1994. En plena jornada laboral, una bomba destruyó completamente el edificio. Mirta sobrevivió a dicha catástrofe y dejó la AMIA para reinventarse laboralmente con un trabajo propio y artístico. Se comprometió y decidió un nuevo rumbo, incierto, pero verdadero. Allí comenzó su trabajo de construcción de otra vida.

FICHA TÉCNICA
IKIGAI, LA SONRISA DE GARDEL (Argentina, 2017, 72 min) Género Documental Calificación ATP /  Distribución Independiente
Director Ricardo Piterbarg / Guión Ricardo Piterbarg y Telma Satz / Productores Ricardo Piterbarg y Catafilma / Director de  Fotografía y cámara Juan Costamagna/ Dirección de Arte Mirella Hoijman / Montaje Roly Rauwolf / Sonido Mariana Delgado / Música Sebastián Díaz Músico / Producción Ejecutiva María Vacas / Elenco Mirta Regina Satz, Rufino Venicio Bogado, Mora Noel Sánchez, David Satz.

 Ikigai
es un término de origen japonés que no tiene una traducción exacta al español, aunque se le atribuye un significado sumamente especial:
“Tener una razón para vivir”.

LINKS

LINK DE DESCARGA DEL PRESSKIT DE IKIGAI
https://drive.google.com/open?id=1c6PABXCbHwq8zEcPuE_UVaBXUxSYPsiH


Trailer IKIGAI, la sonrisa de Gardel
https://vimeo.com/276256305

Web oficial de Mirta Regina Satz
www.reginasatz.com

Facebook https://www.facebook.com/Ikigaifilm/

Trailer Venimos de muy lejos (2013)
https://vimeo.com/240705676

 

Se estrena La intimidad, opera prima de Andrés Perugini

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El 19 de abril se estrena La intimidad, opera prima de Andrés Perugini, en el Cine Gaumont, Avenida Rivadavia 1635. El film tuvo su premiere mundial durante la 17° Muestra Internacional DOC Buenos Aires, y fue proyectada en el marco del Figueira Film Art – Festival de Cinema da Figueira da Foz, en Portugal. En La intimidad, el director realiza un retrato sensible y pudoroso de una historia que lo toca de cerca: la vida cotidiana de su abuela Irene, su muerte, y las alternativas alrededor del desarme de su casa, de sus cosas, en pos de venderla. El tiempo va haciendo su trabajo, mientras el cineasta intenta captar los cambios sutiles con su cámara.

Sinopsis corta
Luego de la muerte de Irene, sus familiares se reúnen en la casa para organizar objetos, muebles y ropa, vaciar espacios y poner en venta el lugar. ¿Es posible borrar las huellas del pasado?

Sinopsis larga
Irene, una mujer de 96 años, vive sola en una casita de techos bajos en Germania, pueblo rural de la provincia de Buenos Aires. Su vida es apacible, pasa los días entretenida en el cuidado de sus plantas y atenta a la limpieza y orden de su pequeña casa.
Un día tranquilo de otoño, Irene muere. Sus dos hijos Inés y Ricardo junto a su nuera Marta son los encargados de desarmar la casa y decidir qué hacer con los objetos, la ropa y recuerdos que Irene había atesorado  toda su vida. Cada prenda, cada objeto, cada pequeño detalle encontrado conserva las huellas del tiempo, de un pasado con historia. Sin embrago, la familia va deshabitando la casa de manera práctica y precisa, dando lugar al recuerdo pero no así a la nostalgia.
La propiedad se pone a la venta. Distintas personas recorren la casa movidos por curiosidad, otros con ansias de compra.
La familia de Irene concreta la venta. La casa tiene nuevos habitantes que inician el extraño acto de hacer propio el espacio ajeno. Las habitaciones toman una nueva dimensión y la casa adquiere una nueva identidad lejana a la anterior. Sin embargo, ¿Es posible borrar las huellas del pasado?

FICHA TÉCNICA
La intimidad (Argentina, 2017, 65 minutos)
Dirección, Guión, Producción, Fotografía y Cámara, Sonido Directo (Realización Integral) Andrés Perugini / Montaje  Mario Bocchicchio / Diseño de Sonido Eugenio Fernández Taboada / Corrección de color Lucas Martelli / Diseño gráfico Adrián Suárez / Realizada con el apoyo del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales. Elenco Irene Piriz, Inés Perugini, Marta de la Cruz, Sandra Calatayu, Marina Perugini, Ricardo Perugini / Filmada en Germania, Provincia de Buenos Aires, entre 2008 y 2016.

Sobre el director
Andrés Perugini nació en 1987 en General Pinto, provincia de Buenos Aires. Estudió realización cinematográfica en CIEVYC, y Dirección de Sonido en ENERC. Como diseñador de sonido realizó películas como La construcción del enemigo de Gabriela Jaime; Cada 30 horas de Alejandra Perdomo; Un pueblo hecho canción de Silvia Majul; Lluvias y El estanque, que son parte de la Trilogía del Lago Helado del director Gustavo Fontán. Trabajó también como editor de sonido de la mano de Fernando Soldevila en las películas Wakolda de Lucía Puenzo; Infancia clandestina de Benjamín Ávila, y Zonda, una película de folclore argentino del director español Carlos Saura. Es socio de ASA, y actualmente se desempeña como docente en la cátedra Sonido en la Escuela de Cine de Eliseo Subiela.
A partir de 2009 viene realizando de manera independiente diversas experiencias en video, como Estoy tarde (2014), que participó de la muestra Otros Cines en San Nicolás de Los Arroyos, y en el Festival de Cine Emergente; y Donde (2011), que participó del Festival Transterritorial de Cine Under. La intimidad es su primer largometraje documental.

Acerca de La intimidad, por Andrés Perugini
Durante varios años filmé a mi abuela Irene. Es un material sensible, cargado de intimidad. Registré su vida cotidiana, sus últimos años de vida en su casa y su forma de habitar el espacio. Cuando ella murió y sus hijos se reunieron para desarmar la casa y ponerla en venta, pensé que sería interesante filmar —en su ausencia— el proceso de deshabitar el espacio, la relación que allí se establece entre los herederos y lo material, lo que queda.
Me resultó llamativo que a medida que se sacaban las ropas y objetos de los muebles, el espectro de Irene asomaba y, a medida que se vaciaban los espacios, iba desapareciendo, difuminándose.
Una tarde—días antes de que la casa se vendiera—, recorrí sus habitaciones vacías y, debajo del lugar que ocupaba un mueble, me encontré con un trozo de tela de un vestido que ella siempre usaba. En un segundo cruzó por mi mente el trabajo que les llevó a sus hijos deshabitar la casa, limpiar los ambientes, borrarla del espacio. Sin embargo, algo de ella todavía se hacía presente, como una huella.
En ese momento entendí hacia dónde iba todo lo que había estado registrando: las huellas que dejan las personas en el tiempo y cómo el espacio puede ser testigo de esto.
Estas cuestiones me hicieron pensar en cómo se construye la intimidad en el proceso de habitar una casa. Cómo las personas, cuando ingresan a un nuevo lugar lo hacen propio borrando todo lo que remite al pasado. Hacen desaparecer las marcas ajenas para poner una nueva impronta, la del nuevo habitante, y así poder construir una nueva intimidad. Durante el proceso de montaje, Gustavo Fontán me acercó un libro para que reflexionara y tomara elementos que me sirvieran para pensar la futura película: “La poética del espacio” de Gastón Bachelard. Un capítulo en particular, donde se refiere a la casa como “elemento sensible”, me motivó bastante: dice que la casa en la vida del hombre suplanta contingencias y que sin ella seríamos seres dispersos. La casa es el primer mundo del ser humano y allí se hace más profunda la relación de intimidad.
El desarme de la casa de mi abuela me permitió pensar que, por más que se intente, hay huellas imposibles de borrar. Algo intangible que remite a ella quedó impregnado en esas paredes, en esos espacios, en la energía de los gatos sin dueño que recorren el jardín donde, aun sin riego y entre la maleza, siguen floreciendo las rosas y flores en cada estación.
La familia de Irene concreta la venta. La casa tiene nuevos habitantes que inician el violento acto de tomar posesión y hacer propio el espacio. Limpian la casa, sacan los restos de empapelado y pintan las paredes, ubican sus muebles, y las habitaciones toman una nueva dimensión. La casa adquiere una nueva identidad muy lejana a la primitiva. Entonces, ¿es posible borrar las huellas del pasado?

LINKS

Facebook https://www.facebook.com/laintimidadfilm/
Trailer La intimidad https://vimeo.com/221172786

Carpeta de fotos para descargar https://drive.google.com/drive/folders/0B1PCZcJMzXUXZmVLckw1b0o1N2c

Por entrevistas con el director o material adicional, por favor contáctenos.

 

El 23 de junio se estrena en el Cine Gaumont La ilusión de Noemí, de Claudio Remedi

La ilusión de Noemí 02

El 23 de junio se estrena en el cine Gaumont La ilusión de Noemí, dirigida por Claudio Remedi, y protagonizada por Sergio Boris y Licia Tizziani, y que cuenta con el debut de los actores infantiles Martina Horak y Joaquín Remedi en los roles principales. Filmada en locaciones de Buenos Aires, La Plata, Berisso e Isla Paulino, la película narra la historia de una niña, Noemí, que intenta sobrellevar la pérdida de su madre, mientras crece y  comienza a descubrir el mundo de la mano de su amigo Sergio. La película es apta para todo público, y significa la primera ficción del grupo boedo films, de gran trayectoria en el cine documental.

SINOPSIS
Sergio y Noemí tienen 11 años, son compañeros de escuela, siempre están juntos y tienen una particular amistad. Una visita al museo de Ciencias Naturales los impulsa a excavar en secreto en el jardín de la casa de Noemí. Juegan a ser arqueólogos en busca de fósiles. Hace calor, es diciembre, están terminando las clases. El trajín del barrio industrial cercano al puerto de Berisso no cesa. Noemí vive con su padre, trabajador del astillero, y su tía abuela, oscura anciana devota de la difunta Correa y guardiana de la memoria de la madre de Noemí que falleció muy joven. El plan de la tía es llevarla a  San Juan, alejarla de su padre, los barrios industriales, los amigos varones.

La vida de Sergio está atravesada por la separación de sus padres y la dificultad de su madre para conseguir trabajo. Mientras el mundo adulto intenta resolver problemas, el territorio de los chicos, sus casas, la costa del río, la escuela, se transforman en escenarios de sus sueños y complicidades.
Después de muchos intentos la excavación tiene éxito: Sergio y Noemí descubren una antigua caja oxidada. ¿Pertenecería a la madre de Noemí? ¿Qué oculta su interior? A pesar de sus esfuerzos, los chicos no pueden abrirla. Pero Noemí se aferra a ella, como un talismán que la pueda liberar de su tía y de sus planes de separarla de su amigo y -en definitiva- de su lugar en el mundo.

FICHA TECNICA
La ilusión de Noemí
(Argentina, 2015) Género: Ficción Duración: 94 mins Calificación: ATP Distribución: Claudio Fernando Remedi distribution.
Guión y Dirección Claudio Remedi/ Producción Ejecutiva Oriana Tizziani /  Jefa de producción Morena Fernández Quinteros / Dirección de Fotografía Lucas Martelli / Asistente de Iluminación Florencia Labat / Gaffer Mario Varela / Dirección de sonido Horacio Almada / Montaje Claudio Remedi y Gabriela Jaime / Asistente de producción Ezequiel Jáuregui / Script Denise Goldman/ Dirección de Arte Gabriela Crespo / Asistente de Arte Amanda Mujica /  Asistente de dirección Noelia Solmi / Música La rocola de Jamelish /  Administración contable Adalberto Arredondo /

Elenco: Martina Horak (Noemí), Joaquín Remedi (Sergio), Licia Tizziani (Irene), Sergio Boris (Leandro), María Inés Aldaburu (Alicia), Lucrecia Plat (Carmen), Marcos Leonel Toral (Armando), Mariela Graziano (La maestra), Gabriel Gavilá (El empleado), Fernando Suárez (Enrique), María Eugenia Mercante (La encargada), Javier Domingo de Jesús (El enfermero), Flavia Maciel (Celia), Gerardo Fernández Serena (Dr. Giménez), Valentín Caruso (El primo). Filmada en Ciudad de Buenos Aires, La Plata, Berisso, e Isla Paulino.


BIOGRAFIA DEL DIRECTOR
Claudio Remedi (Argentina, 1965) se desempeña tanto en la dirección como en la producción de cine documental y de ficción desde el año 1992. Ha dirigido, entre otros, los largometrajes Fantasmas en la Patagonia, Agua de Fuego, Esma, memorias de la resistencia, La historia Invisible, Sinfonía en abril (en post-producción), la miniserie en co-producción con México Fangio, viaje a la memoria y el largometraje de ficción La ilusión de Noemí.
Sus obras han sido premiadas y han participado de secciones especiales en los festivales de Tolouse y Cinema de réel (Francia), Fribourg (Suiza), Contra el silencio, todas las voces (México), Jornada Internacional de Cine de Bahía (Brasil), One World Film Festival (Canadá), Festival de Cinema Latino Americano de Trieste (Italia), The Dirk Vandersypen Award (Bélgica).
Realizador Cinematográfico (IDAC) y Licenciado en Enseñanza de las Artes Audiovisuales (UNSAM), ejerce como docente de cine desde hace más de 15 años en distintas instituciones. Ha coordinado talleres internacionales de documental en Bolivia, Uruguay, Francia y Suiza, se desempeñó como jurado en festivales nacionales e internacionales.


LOS ACTORES
Sergio Boris
, actor, director y dramaturgo, entre su filmografía se destaca Ciencias naturales (de Matías Lucchesi), Lumpen (de Luis Ziembrowski), El cerrajero (de Natalia Smirnoff), El mural (de Héctor Olivera), Diarios de motocicleta (de Walter Salles), El abrazo partido (de Daniel Burman), entre otros. En su rol de director de teatro y dramaturgo se destaca la labor en las obras Viejo, solo y puto y Artaud.
Licia Tizziani, actriz entre otras ha participado en las películas La huella del Dr. Ernesto Guevara (de Jorge Denti) y El general y la fiebre (de Jorge Coscia).
María Inés Aldaburu, actriz y cantante entre otras ha participado en las películas Villegas (de Gonzalo Tobal), Mala sangre (de Paula Hernández) y El delantal de Lili (de Mariano Galperín).
La ilusión de Noemí es el debut cinematográfico para jóvenes protagonistas Martina Horak y Joaquín Remedi.

MOTIVACIÓN DEL DIRECTOR
La ilusión de Noemí
es un proyecto inspirado en la niñez. Una niñez sin tanta tecnología, con más calle, quizás más parecida a la mía, pero cercana a la que se puede vivir en un pueblo o en una pequeña localidad del conurbano. En la película a su vez está presente un anhelo que tuve durante la infancia, el de la amistad entre una nena y un varón. Esa amistad que se permite la diferencia, pero que también deja de lado los juegos y tópicos que la sociedad de consumo impone.
La película da cuenta de otro valor, la complicidad bien entendida, el compartir secretos y universos que te ayudan a sobrevivir, a que la vida cobre otro sentido.
En el film convive un mosaico de realidades en el que adquiere una fuerte presencia el punto de vista de los niños protagonistas, enfatizándose a través de las secuencias de sueños o pequeñas inclusiones de animación.
Los chicos en la historia no están solos. Quise correrme de un contexto de clase media para ubicarlos en el seno de las familias trabajadoras. Allí conviven –con pequeñas pinceladas- la búsqueda de proyectos de los adultos, la defensa de las fuentes de trabajo, la oposición a la explotación laboral o al despido, la solidaridad.
El film no desestima al público adulto, lo incluye brindando acciones, conflictos e interpretaciones actorales que dan cuenta de un relato en progresión constante. En las familias de los protagonistas se vive la ausencia de uno de los padres, la figura de la tía abuela -Alicia- se va convirtiendo en una sombra y en una amenaza que la puede alejar a Noemí de su mundo.
Nuestra motivación artística está orientada a producir una ficción con ciertos rasgos documentales en su estilo. Nuestra experiencia anterior en este último campo como grupo realizativo, nos otorgó herramientas para trabajar con actores profesionales -con los cuales hemos tenido un camino en común-, actores vocacionales –protagonistas de una importante experiencia en teatro- y no-actores que, a la manera documental, interpretan su propia vida y encarnan situaciones en el contexto narrativo del guión.
La puesta en escena se escribe entonces a través de una cámara que claramente acompaña de cerca a los niños, es descriptiva de espacios-protagonistas de la ciudad, intimista en los hogares, y severa en los espacios de trabajo.
Hacia el final de la historia aparece el entorno natural del Río de la Plata. En ese inmenso horizonte Noemí descubre, con apenas once años, la posibilidad de aceptar la ausencia, la posibilidad de subir un peldaño en lo que hace a su propia madurez. He aquí la ilusión, que recién comienza.


LINKS
Trailer oficial https://youtu.be/tvJF7JAVoBs
Spot de lanzamiento https://www.youtube.com/watch?v=qBYYndvO1Fw

Facebook https://www.facebook.com/lailusiondenoemi
Web oficial: www.lailusiondenoemi.com.ar

Sr. Periodista: Adjuntamos gacetilla, fotos y poster. También enviamos los links para vincularnos vía redes sociales.  Quedamos a su disposición por entrevistas con el director y los actores. Si desea ver el film en su estreno por favor reserve su entrada. 

 

 

A partir del 17 de marzo se verá La utilidad de un revistero en el Cine Gaumont

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El jueves 17 de marzo se estrena en el Cine Gaumont la sorprendente opera prima de Adriano Salgado, ganadora de la Competencia Argentina del 28° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, además del Premio DAC al Mejor Director Argentino de todas las competencias, en el mismo festival. La utilidad de un revistero es una obra experimental y lúdica, un ejercicio cinematográfico a partir de una restricción (un mismo plano, que dura toda la película) y que se apoya en un minucioso guión y en un cuidado diseño de imagen y de sonido para explorar las posibilidades expresivas del cine. María Ucedo y Yanina Gruden son las únicas dos actrices del elenco, cuya gran versatilidad sostiene el relato. Una única escena, dos personajes, un espacio, una situación: Adriano Salgado, sonidista de vasta trayectoria en el medio cinematográfico, debuta con un film desafiante, que busca expandir las posibilidades expresivas del lenguaje del cine.

Sinopsis
La utilidad de un revistero
muestra el encuentro entre una experimentada escenógrafa de teatro (Ana) y una aspirante (Miranda) a ocupar el puesto de colaboradora para un próximo trabajo.  Se trata de una informal entrevista para un eventual empleo. Se conocerán entre sí al tiempo que nosotros a ellas. Miranda le mostrará algunos dibujos, hablarán de pintura, de cine, Ana le explicará en qué consiste su trabajo. Contada en tiempo real y desde un único punto de vista, un diálogo entre la teoría y la práctica, entre el teatro y el cine, entre la ficción y la realidad, entre la quietud y el movimiento, entre la comedia y el drama. Un diálogo con el tiempo.

Biografía del Director
Adriano Salgado nació en 1971, en Buenos Aires. En 1990, realizó un curso de cine de un año de duración, y al año siguiente entró en la FUC (Fundación Universidad del Cine), en el mismo año de su inauguración. Comenzó entonces a participar en cortometrajes como sonidista. Desde 1992 hasta la actualidad se he dedicado al sonido en cine, participando en varios largometrajes. La utilidad de un revistero es su primer largometraje como guionista y director.

Palabras del director sobre La utilidad de un revistero
La película surge como una experimentación narrativa y audiovisual. Me propuse el desafío de renunciar a importantes herramientas cinematográficas, con la idea de que renunciar a ellas es una manera de utilizarlas. Quise contar una historia sin manipular los tiempos desde el montaje, sin marcarle al espectador dónde mirar, apelando solo a lo que dicen y hacen los personajes. Me apoyé en las acciones, en el diseño sonoro, en cierto movimiento de la luz y la escenografía para contrarrestar la quietud de la cámara e intento justificar desde el guión las decisiones de la puesta en escena.

Ficha Técnica
La utilidad de un revistero
(Argentina, 2013, 116 mins) Calificación: Apta para mayores de 16 años. Distribuidor: Independiente
Producido por Sociedad Mostrenca / Productor Saula Benavente – Adriano Salgado / Guión Adriano Salgado / Dirección Adriano Salgado / Dirección de Fotografía Lucio Bonelli / Dirección de Arte Alicia Vázquez / Director de Sonido Mercedes Tennina / Música Juan Manuel Leguizamón / Elenco María Ucedo – Yanina Gruden

Festivales, Premios y Nominaciones
– Festival Internacional de Cine de Mar del Plata – “Mejor película Argentina”, “Mejor director argentino en competencia” (Premio DAC); 11/2013; Argentina.
– Selección oficial Brasilia International Film Festival – BIFF
– 13 Festival Tandil Cine, Buenos Aires Argentina. Premio mejor actriz, compartido entre María     Ucedo y Yanina Gruden y Premio del Público
– Selección oficial 1er Festival Internacional de cine de Caracas, Venezuela
– Selección oficial y Mención Espacial del jurado VII  Festival Internacional de cine Latinoamericano y  Caribeño de Margarita, Venezuela
– Selección oficial Festifreak La Plata Buenos Aires.
– Selección oficial Mendoza Proyecta 2014
– Selección oficial TFF Theater Film Festival Düsseldorf, Alemania  2014
– Selección oficial One Take Film Fest, Zabreb, Croacia
– Mención especial del jurado 32 Festival Internacional de cine de Montevideo, Uruguay 2015
– Selección oficial  Mostra de cinema Llatinoamerica de Catalunya

Sobre las actrices
María Ucedo
Es actriz bailarina y fundadora del grupo El descueve junto a sus compañeros C.Casella, Ana Frenkel, Mayra Bonard, Gabriela Barberio. Es cocreadora e intérprete del espectáculo Villa Villa de la compañía De la guarda (con ambas compañías participaron en los festivales de teatro internacionales más importantes). Siempre el cuerpo como motor, deja el atletismo para meterse en la escuela de danzas de Margarita Bali y Susana Tambuti. Se forma en composición coreográfica con Diana Machado, y estudia Contact Improvisation con Alma Falkenberg. A los 17 años comienza a mostrar sus primeros trabajos en el under porteño. Autodidacta, su escuela fue el movimiento cultural de los años 80 cuando la escena porteña ardía en sus primeros años de democracia. Entrena y estudia diferentes técnicas de movimiento y actuación. Estudió guión con Mauricio Kartun,  y escritura con Hebe Uhart. Entre sus maestros están Guillermo Angeleli, Nora Moseinco, Claudio Tolcachir, y Sri K Pathabi Jois. Trabaja en cine, teatro y TV. Practica Ashtanga Yoga desde 1997, y enseña la practica hace 15 años. Sus últimas participaciones films son Juan y Eva, Deshora, La utilidad de un revistero, El hijo buscado, Como funcionan casi todas las cosas. En teatro: Café Irlandes, Cabaña Suiza, Brasil. Uno menos. En TV : Contra las Cuerdas, Guapas, Cromo. Nominada tres veces a los Premios Cóndor, por las películas El otro, Juan y Eva y El hijo buscado.

Yanina Gruden
Es Licenciada en Arte Dramático (2009) egresada de la Universidad del Salvador. Como actriz se formó con Mariana Cuyas, Roxana Randon, Julio Baccaro, Lorena Vega, Julio Ordano, entreno en el estudio de Alejandro Catalán  y en el Sportivo Teatral con Mirta Bogdasarian y Ricardo Bartís. Por otra parte, se formó en diferentes seminarios de expresión corporal y danza con Luis Garay, Valeria Castro, Cecilia Pujin, Celeste Consentino, Paula Botana y Emanuel Ludueña. En el área vocal se formó con Diego Sanclemente, Alicia Ceccotti y, continuó sus estudios de canto lírico y popular con Laura Leonelli. Actualmente, actúa una versión libre sobre Borkman de Henrik Ibsen bajo la dirección de Gastón Santos y protagoniza Camaradería, de August Strindberg dirigida nuevamente por Analia Fedra García en el Portón de Sánchez (Premio ARTEI 2015). En televisión participó en Champs 12 y en Alucinante, unitario producido por el INCAA. Además, actuó en Guita Fácil, miniserie de 13 capítulos, producida por Hibou Producciones, escrita por Marcelo Camaño y dirigida por Edgardo Kawior para Flor latina, transmitida en ACUA mayor (TDA) . En cine participó de varios cortometrajes dirigidos por Sergio Criscolo, Gabriela Abraham, Maria Luz Estella, entre otros, y protagonizó su primer largometraje La utilidad de un revistero junto a María Ucedo, dirigida por Adriano Salgado y producida por Saula Benavente. Ganadora junto a María Ucedo, el Premio Centinela a Mejor Actriz Nacional en el Festival Nacional de Tandil. En 2014 fue nominada al Premio Ace como Actriz Revelación por la obra Muchas felicidades.
Destacados de la prensa

“La de Salgado es la clase de película a la que una mirada superficial “acusaría” de teatral, y que lo que logra en verdad es tener la vividez, la impresión de realidad, la intensidad y el tiempo presente propios del cine”. Horacio Bernades, Diario Página/12

“¿En qué puede ser diverso un solo plano de 115 minutos? El argentino Adriano Salgado vence el desafío y en “La utilidad de un revistero”, ganadora en la sección Competencia Argentina de Mar del Plata 2013, lo consigue”. José Luis García, Cinestel.com, España

“Ana  y Miranda componen un dúo formidable mientras que el inescrutable ojo de la cámara capta e intensifica cada pequeño gesto. El film vale su peso en la ingeniosa puesta en escena, las actuaciones y el guión que las guía. Tiene lo mejor del teatro y el cine juntos”. Benjamín Harguindey, Escribiendocine.com

 “A primera vista, dos mujeres. Una reunión de trabajo. A segunda vista, un juego sensorial, un uso del espacio muy original, intertextualidades a más no poder, la utilización de objetos que se revalorizan y toman nuevas formas. Un ejercicio artístico, inusual y profundo, donde el metalenguaje toma la escena, la transforma y sorprende al espectador”. Sitio Web Oficial del Festival Internacional de Mar del Plata. 

“Una gran ópera prima diferente, lúdica y muy entretenida de un promisorio director al que conviene seguir de cerca”. Denmeceluloide, Blog cinéfilo

 “Salgado se revela aquí como un cineasta profundo y reflexivo, que lleva al extremo las posibilidades expresivas de la omisión y el fuera de campo, planteando el  encuentro entre dos desconocidas y, a la vez, haciendo gala de una cuidada y meticulosa puesta en escena, donde cada mínimo detalle o movimiento tiene un significado preciso y provoca choques semánticos que estimulan nuevos sentidos”. Paulo Pécora, Agencia Télam

“Llevando a extremos inéditos las posibilidades expresivas de la omisión, Salgado inaugura una original metodología cinematográfica cuyo secreto reside en el cuidado de cada detalle, en los sonidos que se van incorporando a lo largo del film y en el diminuto espacio en el que Ana y Miranda interactúan. “La utilidad de un revistero” es otra de las realizaciones de la Competencia Argentina que dará mucho que hablar”. Walter C. Medina, nuevatribuna.es

 “La utilidad de un revistero es el filme argentino que innova con solidez, gracias a un guion impecable, a dos actrices que saben manejar el humor con sutileza y a un uso del espacio que convierte la cámara fija en un recurso más que en una limitación”. Sofía Castagno, Revista Replicante

ESTRENO: 17 de marzo
Espacio INCAA Km 0 Cine Gaumont
Av. Rivadavia 1635
Funciones diarias 13hs y 19.30hs (sala 3)


El 25 de febrero se estrena en el Cine Gaumont Pantanal, opera prima de Andrew Sala

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El 25 de febrero se estrena en el Cine Gaumont la ópera prima de Andrew Sala, Pantanal. Se trata de una road movie ambientada en el norte argentino, y en escenarios naturales de Paraguay y el Mato Grosso brasileño. La película tuvo su premiere mundial en el 30° Festival Internacional de Cine de Varsovia, e integró la competencia argentina del 29° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Andrew Sala nació en los Estados Unidos pero siempre vivió en Buenos Aires. Es economista y además director de cine egresado de la FUC, donde actualmente trabaja como profesor.
Pantanal se construye a partir de pocas pistas, y de un único protagonista que huye con un bolso lleno de dólares. Se mezcla con la gente en plenos carnavales, y va ganándole a quienes lo persiguen para atraparlo mientras busca saldar una deuda. Este policial áspero, intrigante y lacónico, invita al espectador a sumergirse en un juego fascinante de perseguidores y perseguidos.

SINOPSIS
Un hombre se escapa de Buenos Aires hacia el Mato Groso brasileño con un bolso lleno de dinero. Una deuda impaga, un hermano con quien está distanciado hace años y los testimonios de personas que dicen habérselo encontrado por el camino, son indicios que construyen este road movie sudamericano.

FICHA TECNICA
Pantanal
(Argentina, 2014) Género: Ficción Duración: 72mins Calificación: S.A.M 13 Distribución: Independiente
Guión y Dirección Andrew Sala / Con el apoyo de Universidad del Cine – Buenos Aires /Productores Asociados Antártica Films & Francisco Forbes / Producción Ejecutiva Lucía Tebaldi & Andrew Sala / Dirección de Fotografía y Cámara Manuel Forbes & Joaquín Neira / Montaje Andrés Tambornino / Sonido Lautaro Aichenbaum /Soundtrack Metronomy / Dirección de Arte Cecilia Barbero & Paula Sandacz / Música Original Nicolás Pucci / Elenco Leonardo Murúa & Eugenia Borrelli

FESTIVALES

*Premier Mundial – 30 Festival Internacional de Cine de Varsovia
*Selección Oficial – 25 Festival Internacional de Estocolmo
*Competencia Argentina – 29 Festival Internacional de Mar del Plata
*Selección Oficial – 33 Festival Internacional Cinematográfico del Uruguay
*Selección Oficial – 10 Festival Internacional de Cine Latinoamericano de Sao Paulo.

Biografía del director
Andrew Sala nació en 1981 en los Estados Unidos pero vivió toda su vida en Buenos Aires, Argentina. Se recibió de Economista en la Universidad de Buenos Aires y de Director Cinematográfico en la Universidad del Cine donde ahora es profesor. Su último cortometraje, Asesinato en Junín, ganó el premio a la mejor película en el Festival Internacional de Tampere en Finlandia y el premio especial del jurado en el Festival de Poitiers en Francia. Además ha participado en más de 30 festivales alrededor del mundo.
En 2010 dirigió una de las partes del largometraje colectivo Cinco (89min, Argentina), donde también realizó la producción ejecutiva. Esta película se estrenó en BAFICI y participó en los festivales de La Habana, CineB Santiago de Chile, Tarapacá, Fenavid Bolivia y Cineuropa Compostela. Pantanal es su ópera prima.

Filmografía
2014 Pantanal (72 min)
2012 Asesinato en Junín (10 min)
2010 Cinco -episodio IV- (14 min)
2009 Circe (10 min)
2007 Miradas sobre Buenos Aires (12 min)

Biografía de Leo Murúa, actor protagonista
Leonardo Murúa es actor desde 1996. Estudió actuación con Laura Yussem y Alejandro Catalán. Técnica Vocal con Jorge Suárez y acrobacia con Marta Lantermo. Participó en el cortometraje Dos en un auto y coprotagonizó el largometraje Sábado, ambos dirigidos por Juan Manuel Villegas. En 2009 protagonizó uno de los episodios de la película Cinco seleccionada para el Bafici 2010. En 2011 realizó la narración del documental Noche sin fortuna, coproducción argentino-colombiana dirigida por Alvaro Cifuentes y Francisco Forbes. En 2013 protagonizó Pantanal de Andrew Sala, y en 2015 participó en El ciudadano Ilustre de Mariano Cohn  y Gastón Duprat, y en el cortometraje Bussines de Malena Vain.
En televisión participó en la serie de televisión Campeones; en la miniserie 9 milímetros dirigida por Ulises Rosell; en la tira La Lola por AmericaTV y como narrador del documental La batalla de Salta para Canal Encuentro, dirigido por Andrés Cuervo, entre otras producciones.
En teatro se desempeñó como asistente de dirección de Laura Yussem y como actor en obras como Darwin y Serán sus ojos, de Nahuel Cano; Baby, de Susan Sontag; Aviones enterrados en la playa, de Luis Cano; Perro, Mujer, Hombre; Luba, de Magdalena Yomha;  Muchas Felicidades (la sagrada familia), de Francisco Urondo; Las mutaciones, de Valeria Correa; Afuera llueve, de Bea Odoriz y La vida breve, de Estaban Bieda y Nahuel Cano, entre otras.

MOTIVACIÓN DEL DIRECTOR – Sobre Pantanal
Sabía que una película rodada con un equipo técnico extremadamente pequeño, en locaciones reales, sin actores (excepto por el protagonista), y un guión que se reescribía en el camino iba a resultar en una película bastante particular.
Con el equipo técnico salimos hacia Pantanal, en el Mato Grosso brasileño, un lugar en el mapa que parecía intrigante y el destino perfecto para el viaje del personaje. El rodaje llevó cinco semanas de locura y profunda angustia, manejando 10.000kms, escribiendo escenas literalmente en el camino, editando durante las noches, y re filmando escenas para encajarlas en la siempre cambiante historia. Mi estado mental era como el del personaje de la película: sobrepasado con angustia mientras viajaba hacia el norte en busca de algo no del todo certero. Mi vida y la del equipo técnico comenzó a mezclarse con el universo de la película. Me acuerdo pidiéndole a Leo –el actor- que usase la ropa del personaje todo el tiempo, hasta convertirse realmente en el personaje, y así filmarlo mientras dormía, caminaba, comía, manejaba. Así fue como los límites entre la ficción, la realidad y nuestras vidas se volvió borroso. Encontré que en ese límite indefinido entre película y realidad había momentos de pura verdad.

Amor, etc. de Gladys Lizarazu llega el 19 de noviembre al Cine Gaumont, y se verá en todo el país

AMOR,ETC

AMOR, ETC.
un film de Gladys Lizarazu
con María Canale y Alberto Rojas Apel
ESTRENO: 19 de Noviembre
Espacio INCAA Km 0 Cine Gaumont
Av. Rivadavia 1635

El 19 de noviembre se estrena en el Cine Gaumont la opera prima de la directora, guionista y actriz Gladys Lizarazu. Amor, etc. está protagonizada por María Canale y Alberto Rojas Apel, y es la primera parte de una trilogía de películas dedicadas al amor. Cada una de estas obras se ocupará de una pareja diferente en un momento distinto de la vida y surge de disparadores reales y biográficos. Esta primera parte, Amor, etc. indaga en la relación de una joven pareja que componen María Canale y Alberto Rojas Apel, dos actores de conocida trayectoria en el circuito de cine independiente argentino. Puestos a convivir estos personajes se enfrentan a la realidad de esa elección mayúscula que implica el amor como elección de vida. Con escenas que van del realismo al absurdo, la película genera una estética propia que impacta por su planteo dramático y su particular sentido del humor.

Filmada de manera totalmente independiente, la película tuvo su estreno internacional  en el VII Festival Internacional de Cine de Margarita (Venezuela) y desde entonces se presentó en importantes festivales como el 30Th Festival Internacional de Cine de Santa Bárbara, (EE.UU.) el Festival Internacional de Cine de Punta del Este y el Festival independiente de Cine de Bonn (Alemania). Recientemente ganó el Premio a la Mejor Fotografía otorgado por el FELCIT. Asimismo acaba de presentarse en Berlín y Bonn, Alemania. Su estreno nacional está programado para el 19 de Noviembre 2015 y antes tendrá una función especial en el marco del 30° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Se proyectará en el marco de una actividad especial llamada 24 horas de Cine Nacional. Gladys Lizarazu acompañará la proyección el día 7 de Noviembre a las 21hs. en la Sala Melany del Complejo de Arte MDQ, San Luis 1750, con entrada libre y gratuita.

SINOPSIS
Dib (Alberto Rojas Apel) acaba de comprar una casa a donde se mudó con su novia Lisa (María Canale). Recién mudados, Lisa compra una línea de teléfono y recibe el primer llamado, que en realidad, es para la ex propietaria de la línea, una tal María Eugenia con quien Lisa termina obsesionándose. Para Dib, la mudanza también trae cambios; los vecinos, la niña de la planta baja y un cachorro ladrador alteran sus ideales de flamante propietario y exasperan su humor. El afuera irrumpe y desestabiliza entre risas, música, besos y lágrimas.

FICHA TECNICA
Amor, etc.
(Argentina, 2014) Duración: 84mins Calificación: Apta para mayores de 13 años. Distribución: Meikincine
Guión y Dirección Gladys Lizarazu / Producción Rosalia Ortíz de Zárate, Gladys Lizarazu / Co producción Artemia Films / Dirección de Fotografía Martin Frías / Dirección de Arte  Paula Mysyna / Montaje Guille Gatti, Sebastián Romero Bernhardt y Diego Olmos / Música Juan Cruz Masotta / Vestuario Carolina Lizarazu / Maquillaje Min Ko / Diseño Sonoro Javier Bustos / Cámara Mariano Bonello, Martín Frías / Sonido Directo Gerardo Kalmar, Celeste Palma, Nelson Schmunk / Coordinación de Producción Paula Goldstein / Asistencia de dirección Cecilia Moreno, Mariana Rojas / Elenco María Canale, Alberto Rojas Apel, Romina Richi, Stella Matute, Maria Figueras, Lorena Vega, Bianca Dezillio, Santiago Carranza, Maruja Bustamante.

SOBRE LOS ACTORES

MARIA CANALE egresó del IUNA donde cursó la carrera de actor. Hizo su debut en cine con el corto La conjura del azar y luego el cortometraje No me ama, dirigido y coprotagonizado por Martín Piroyansky, que circuló por varios festivales, entre los que se destaca el Vancouver Latin American Film Festival de Francia. Protagonizó la película Abrir puertas y ventanas (de Milagros Mumenthaler), labor que le valió el premio a la Mejor Actriz en el Festival Internacional de Cine de Locarno en 2011.

ALBERTO ROJAS APEL es actor, guionista y director, estudió cine, dramaturgia y teatro en diversas instituciones (CIEVYC, TEBA Y con Maurico Kartun entre otros). Tiene libros publicados con sus obras y varias de ellas fueron estrenadas. Como actor participó de varios largometrajes entre los que se destacan Excursiones de Ezequiel Acuña y 20.000 besos de Sebastián De Caro.

Biografía de la directora
Gladys Lizarazu es egresada de la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (E.N.E.R.C), de la carrera de dramaturgia de la Escuela de Arte Dramático de la Ciudad de Buenos Aires y del I.S.E.R. Instituto Superior de Enseñanza Radiofónica. Su filmografía como guionista y directora incluye los siguientes títulos: Amor, etc. (2014, 84mins); Acaso lo otro (2007/8, 24 mins), Erzébet (2005/6, 20mins).  Como autora y directora teatral realizó montajes en teatros de Argentina, Holanda, Inglaterra y Alemania. Sus obras fueron publicadas y traducidas al inglés y al alemán. En 2000 recibió el Gran Premio Fondo Nacional de las Artes (Argentina) por su obra Tres, y en 2001 el Premio Nueva Dramaturgia Germán Rozenmacher por su obra Considera esto. Fue artista residente del Royal Court Theatre de Londres y becaria de la Akademie Schloss Solitude de Alemania. Vivió en Berlín, donde llevó adelante diversos proyectos artísticos e interdisciplinarios y también se dedicó a la docencia.
Antes de dedicarse al teatro y al cine se desempeñó como conductora y locutora de radio. Actualmente cursa la carrera de Régie en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón y se dispone a filmar su segundo largometraje, El bañado de la estrella.

Nota de la directora
Escribí Amor, etc. en Stuttgart, adonde llegué invitada por la Akademie Schloss Solitude para desarrollar el guión de esta película que fue favorecida por el programa de Residencias Artísticas de dicha institución. El contexto socio cultural del sur alemán poco tenía que ver con esta historia de amor urbana y sus personajes. Creo que eso potenció el proceso de escritura y pude terminar la primera versión del guión en tan solo una semana; sin embargo la “novela previa” de ese guión se forjó en los años que lo antecedieron y que constituyeron algunos capítulos importantes de mi vida.
En marzo de 2008 el guión y yo -en calidad de directora- fuimos elegidos para participar de la Clínica de Dirección del Semillero de Talentos que organizó el 21° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. De allí en más el proyecto sufrió los vaivenes del tiempo y la propia subjetividad y el azar quiso que cayera en manos entusiastas. Esas “manos”. Léase aquí el aliento y la fe de los actores y algunos colaboradores me motivaron a retomarlo. El estímulo es un factor fundamental para sostener un proyecto en el tiempo pero, más allá de las circunstancias que acompañan y mantienen vivo a éste en particular, la verdadera razón detrás de esta película es su naturaleza. Creo que el amor es el motor más fuerte en la vida de las personas y esta es mi manera de explorar sus variaciones, de entender su naturaleza dramática y sus tiempos. Creo en el amor pero también creo en la creación como aquello capaz de transformar el sufrimiento en algo bueno. La creación ha sido más de una vez mi manera de trascender el dolor. Esta película es su más claro ejemplo.